Panneau mural représentant Bacchus et Silène

Panneau mural représentant Bacchus et Silène


Un guide des mosaïques le long de la Route romaine de la Baetica (Espagne)

Lors d'un récent voyage dans le sud de l'Espagne, j'ai parcouru la route romaine de la Baetica et visité de nombreux sites archéologiques et musées que l'Andalousie a à offrir. Parmi la pléthore de trésors anciens que l'on trouve dans la région, j'ai été particulièrement impressionné par les incroyables mosaïques que j'ai rencontrées.

La Route Romaine de la Baetica est une ancienne voie romaine qui traverse quatorze villes des provinces de Séville, Cadix et Cordoue qui correspondent à l'Andalousie moderne. Elle traverse la partie la plus méridionale de la province romaine d'Hispanie et comprend des territoires également traversés par la Via Augusta. La route reliait Hispalis (Séville) à Corduba (Córdoba) et Gades (Cadix). Le mot Baetica vient de Baetis, l'ancien nom du fleuve Guadalquivir.

Avant l'arrivée des Romains, la région était occupée par les Turdetani, une tribu puissante et, selon Strabon, le peuple le plus civilisé de la péninsule ibérique. Le sud de la péninsule ibérique était fertile et riche sur le plan agricole, permettant l'exportation de vin, d'huile d'olive et de garum (la sauce de poisson fermentée). L'économie reposait principalement sur l'agriculture et l'élevage, ainsi que sur l'exploitation minière. Cette économie était à la base du commerce des Turdetani avec les Carthaginois établis sur la côte. Les Romains sont arrivés dans la péninsule ibérique pendant la deuxième guerre punique au IIe siècle avant JC et l'ont annexée sous Auguste après deux siècles de guerre avec les tribus celtes et ibériques. Bientôt, Baetica devint la province la plus romanisée de la péninsule.

Hispania Baetica était divisée en quatre divisions territoriales et juridiques ( couventī ): les conventus Gaditanus (de Gades – Cadix), Cordubensis (de Cordoue – Cordoue), Astigitan (d'Astigi – Écija), et Hispalensis (de Hispalis – Séville). Trajan, le deuxième empereur de naissance provinciale après Claude, était originaire de la Bétique, bien qu'il fût d'origine italienne. Hadrian venait d'une famille résidant à Italica tandis que sa mère Paulina était originaire de Gades.


Silène

S'IL VOUS PLAÎT, CONTACTEZ-MOI, si vous avez BESOIN de l'article : [email protected] Selon la politique de Stratum plus, (voir ci-dessous) : je n'ai pas le droit de placer un pdf de mon article dans les ressources Web, mais je peux le partager avec mes amis et collègues

"Vous n'aurez pas le droit de placer une copie de votre publication dans des dépôts électroniques et des ressources Web personnelles. Vous ne pouvez placer qu'un
résumé avec référence obligatoire (lien) à l'article sur le site de la revue.
Vous pouvez partager une version électronique de votre article (.pdf) avec vos amis et collègues, mais vous ne pouvez pas l'offrir sur des ressources accessibles au public".

L'article est consacré à la publication et à l'analyse de deux cruches en bronze provenant des sépultures sarmates du bassin du Don. Comme l'a montré l'analyse, les cruches en discussion trouvées dans les sépultures dataient très probablement du dernier tiers du 1er siècle de notre ère (tertre funéraire de Sokolovskii n° 3/1970) et même du 2e siècle de notre ère (Chuguno-Krepinka, Enterrement- monticule n° 2/1984), sont des pièces d'un niveau artistique extraordinairement élevé de la première moitié, peut-être du premier tiers du Ier siècle après JC. Dans le premier cas, avec la cruche, une vasque en bronze de non moins grande qualité avec un médaillon a été trouvée, probablement chronologiquement proche de la cruche, qui pourrait initialement appartenir au même ensemble que celle-ci. Dans le second cas, la cruche se détache clairement sur le fond d'un ensemble assez standard de bronzes importés, typique de la fin du 1er - première moitié du 2ème siècle après JC, ce qui n'est pas surprenant, car au moment de l'enterrement c'était un objet ancien d'environ 100 ans.

Cette thèse inédite de 1989 explore les sources textuelles classiques et la signification allégorique des deux panneaux spalliere de Piero di Cosimo, The Discovery of Honey (Worcester Art Museum) et The Misfortunes of Silenus (Fogg Art Museum, Harvard). Giorgio Vasari rapporte que ces « Bacchanales » ont été commandées par Giovanni Vespucci pour décorer un appartement de son palais à Florence. Le père de Vespucci, Guido Antonio, acheta le palais le 5 mars 1499 sur la Via dei Servi et Giovanni se maria l'année suivante.

Dans une série d'articles, le respecté historien de l'art de Harvard, Erwin Panofsky, propose que les panneaux soient inspirés des théories évolutionnistes de Lucrèce et de passages du Fasti d'Ovide. L'analyse de Panofsky, reformulée par les chercheurs au fil des décennies, n'explique cependant pas l'importance du sujet inhabituel de La Découverte du miel impliquant l'apiculture ou ne rend pas compte de manière satisfaisante de la variété de ses détails visuels. L'objectif principal de cette étude sera d'examiner les éléments visuels complexes de la découverte du miel.

Cette étude suggère que les Géorgiques écrits par le poète romain Virgile (70 av. J.-C.-19 av. J.-C.) ont inspiré le thème et les images de La Découverte du miel. Une analyse minutieuse des deuxième et quatrième géorgiens de Virgile, du mythe de Bacchus, de la métamorphose d'Ovide et de l'ancienne tradition des abeilles représentée dans les détails visuels de la peinture explique de manière satisfaisante tous ses éléments visuels et son symbolisme. En fait, le contenu et l'intention morale de La Découverte du miel semblent convenir à l'occasion du mariage de Giovanni Vespucci en 1500.


RECETTE DU JOUR DE L'ANCIEN POMPEII

  • 1 poulet frais (environ 1-1,5 kg)
  • 100 ml d'huile
  • 200 ml de Liquamen ou 200 ml de vin + 2 cuillères à café de sel
  • 1 branche de poireau
  • Aneth frais
  • Sarriette fraîche
  • Coriandre
  • Poivre à goûter
  • un peu de Defritum (ou sirop de vin)

Instructions:
-------------
Commencez à faire frire le poulet et assaisonnez avec un mélange de Liquamen et d'huile, ainsi que des bouquets d'aneth, de poireau, de sarriette et de coriandre fraîche. Cuire ensuite environ 1 heure à 220 deg au four. Lorsque le poulet est cuit, humidifiez une assiette avec Defritum. Continuez


Peinture à l'huile sur toile, Les Quatre Saisons : Automne - Triomphe de Silène, Bacchus et Ariane, attribuée à William Hamilton RA (Chelsea 1751 – Londres 1801). L'un des quatre panneaux rectangulaires du plafond de la salle à manger représentant les quatre saisons exprimées par un triomphe de Vénus (printemps), Apollon (été), Bacchus (automne) et le roi Éole (hiver).

Acheté avec une partie du contenu de Kedleston avec l'aide du National Heritage Memorial Fund en 1987 lorsque la maison et le parc ont été donnés au National Trust par Francis Curzon, 3e vicomte Scarsdale (1924-2000)


Dette et conséquences

C'est une histoire classique. Derrière une façade noble et raffinée (grâce aux dessins de Frank Miles Day et Louis Comfort Tiffany) Horticultural Hall sur Broad Street était vraiment un château de cartes, un palais construit à crédit.

Après l'incendie d'une ancienne salle sur le même site en 1893, l'assurance déboursa 25 000 $ pour un nouveau bâtiment. Au début de 1894, selon le Histoire de la Société d'horticulture de Pennsylvanie, seulement 26,25 $ étaient en banque. Mais le président de la Société, Clarence H. Clark (dont le manoir au 42e et Locust a coûté 300 000 $ deux décennies auparavant) n'a pas vu de problème, il a vu une opportunité. Clark, un banquier, a conçu une solution sous la forme d'une hypothèque de 200 000 $.

Et ainsi, avec de l'argent emprunté, "un bel exemple d'architecture de la Renaissance italienne" comme nous l'avons dit la dernière fois, s'est élevé sur Broad Street. Ses portes de bronze accueillaient, son verre émeraude émerveillé, ses "profonds avant-toits en surplomb" impressionnaient. Au-dessus de ces avant-toits se trouvaient les plus belles tuiles espagnoles. Au-dessous d'eux se trouvait une pièce de résistance de l'art public, une fresque murale géante et enveloppante, l'une des plus grandes jamais réalisées.

La dernière chose à laquelle le muraliste Joseph Lindon Smith pensait était la dette énorme de son client. Alors qu'il planifiait le travail, Smith a fait face à ses posséder défis de taille. L'artiste prometteur avait récemment terminé une modeste fresque murale dans une alcôve de la bibliothèque publique de Boston et n'avait jamais accepté une commande aussi massive - 308 pieds de long et 6 pieds de haut. Smith n'avait jamais non plus pris quoi que ce soit d'aussi risqué. "Ce sera exécuté directement sur du plâtre et ce sera en extérieur", s'inquiète un critique d'art du Demandeur, le 19 avril 1896, « deux conditions rarement rencontrées dans la peinture murale moderne ».

De plus, Smith n'était pas tout à fait certain Quel il voulait peindre. Dans une interview au printemps de 1896, il a admis « avoir travaillé sur son design pendant près d'un an » et ne savait toujours pas comment se déroulerait sa peinture murale. Il y aurait "des personnages allégoriques et mythologiques, les mois, ou les saisons et les signes du zodiaque, tous ayant un rapport avec le bâtiment et son utilisation". Il y aura un schéma décoratif mettant en vedette les dieux de la moisson, Cérès et Bacchus et "une utilisation presque infinie de guirlandes" et de couronnes. Mais comment tout cela s'assemblerait-il ?

Détail de la peinture murale proposée sur Horticultural Hall, ca. 1896. ( Bibliothèque McLean, Société d'horticulture de Pennsylvanie)

Alors que Smith était assis à sa planche à dessin, sentant la panique monter, il a appris que le plâtre sous l'avant-toit ne serait pas prêt pour son pinceau avant l'automne. Quel soulagement! Plus de temps pour réfléchir ! Smith pourrait faire "un voyage spécial en Italie pendant l'été pour renouer avec les œuvres des premiers peintres de fresques italiens".

Ah, la vie d'un artiste en difficulté (avec une commande).

Forgeron fait maîtriser le défi et dépeint dans ses propres fresques « l'évolution du règne végétal à travers quatre saisons » comme Asa M. Steele le raconta dans Harper's Weekly quelques années plus tard. « Un grand rouleau apparaît également au centre de la façade principale, portant les mots « Horticulture » et « Agriculture », « Sylviculture », « Viticulture » et Floriculture. » Entre les nombreuses petites fenêtres « il a peint… de petits panneaux représentant des garçons avec des outils agricoles, des couronnes conventionnelles et des groupements de fruits, de fleurs, de noix, de conifères et de houx ». Les « groupes principaux » de Smith représentent douze femmes représentant les mois de l'année, chacune tenant sur ses genoux le signe approprié du zodiaque et accompagnées de la divinité protectrice de la saison, et des arrangements de feuillage, de fruits et de fleurs.

Partant du côté sud du bâtiment, les chiffres de Smith pour janvier et février étaient accompagnés de Janus, le dieu des nouveaux départs, « qui a reçu les prières et les laboureurs au début du temps des semences ». Puis vint Triptolème, le demi-dieu de l'agriculture, "dans son char ailé tiré par des serpents, parcourt un paysage en éveil, répandant sa graine d'orge sur chaque main". Mars est arrivé "dans des draperies agitées par le vent" Avril "dans les teintes tendres du début du printemps, portait un vase inversé pour symboliser la descente de la pluie sur la terre". Entre les deux se trouvait la figure de Proserpine, fille de Cérès.

Hall d'horticulture, ca. détail 1900. (La bibliothèque gratuite de Philadelphie)

Steele a poursuivi: «May est paré de vert vif, sur un fond de fleurs. June est entourée de roses et de la floraison du début de l'été, avec des guirlandes éparpillées. Flora, la divinité de l'horticulture, et Amor, l'arc tiré, formaient le reste du groupe. Au centre de la façade avant, Phoebus Apollo trône dans une gloire de rayons de soleil dorés, une lyre à la main. Juillet et août, parés des teintes magnifiques du milieu de l'été et entourés de fruits et de fleurs, ont Cérès comme protectrice. La déesse est vêtue de pourpre et d'or et tient une gerbe de blé. Septembre et octobre, avec Pomona, déesse des fruits, trônant entre eux, sont entourés des riches bruns, rouges et jaunes de l'automne, avec un arbre fruitier en arrière-plan, et des guirlandes de maïs et de raisins. Le panneau suivant représente Bacchus, tenant le thyrse avec une couronne de lierre sur la tête. En arrière-plan, la mer, avec un écran de marbre de vignes et de raisins. Le ciel adjacent brille avec la couronne de sept étoiles d'Ariane, un satyre danse au premier plan. Novembre, en regardant en arrière vers ses mois de système, et décembre, s'attardant dans la désolation avec la tête baissée, et Boreas [le dieu du vent du nord] soufflant des rafales d'hiver, complètent la série.

Aussi formidable qu'elle ait pu être, la fresque géante de Smith semblait impossible à photographier. Et pour tout son pouvoir de mur, pour toute sa capacité à fournir un élan civique aux défilés et aux boulevardiers sur Broad Street, cela représentait une dette géante et écrasante pour les directeurs de la Société horticole qui ne s'en allait pas.

Ainsi, en 1909, trois ans après la mort de Clarence Clark, lorsqu'une offre en espèces d'« au moins 500 000 $ » est arrivée sur le tableau arrière, les réalisateurs ont vu la lumière au bout du tunnel. Cette offre est apparue plus attrayante que tout ce qui a été conçu, construit ou peint. L'acheteur démolirait le bâtiment mais peu importe. finalement, la dette serait remboursée.


Collection V&A Wedgwood

La collection V&A Wedgwood est l'une des collections industrielles les plus importantes au monde et un record unique de plus de 260 ans de production de céramique britannique. Propriété du V&A à la suite d'une campagne de financement réussie menée par Art Fund, il est exposé à Barlaston, Stoke-on-Trent, où un programme public imaginatif célèbre la diversité, la créativité et la profondeur de la collection, dans son contexte local du North Staffordshire , connu sous le nom de Poteries.

Wedgwood a été fondée en 1759 par le potier et entrepreneur britannique Josiah Wedgwood, qui a contribué à transformer la poterie anglaise d'un artisanat artisanal en une forme d'art et une industrie internationale. La famille et l'entreprise Wedgwood avaient un sens aigu de leur place dans l'histoire et ont commencé à collectionner des articles et des dessins dès le XVIIIe siècle. Un musée existe depuis 1906, d'abord sur le site de l'usine Etruria puis à partir de 1952 à Barlaston. Un musée nouvellement conçu a ouvert ses portes en 2008, remportant le prix Art Fund Museum of the Year en 2009. Il abrite la plus belle collection de matériaux Wedgwood documentant la production jusqu'à nos jours, présentant des innovations en matière de goût et de mode sur trois siècles.

Plateau Wedgwood des essais de Jasper. © Fiskars

La collection V&A Wedgwood comprend plus de 165 000 œuvres d'art, céramiques, manuscrits et photographies retraçant l'histoire, les conceptions et la production de céramique de l'usine. Il a été sauvé pour la nation et offert au V&A en 2014 à la suite d'un appel public majeur organisé par Art Fund, généreusement soutenu par des milliers de particuliers, d'entreprises et de fondations subventionnaires, y compris un soutien important du Heritage Fund et du Art Fund.

Vase Wedgwood Portland. © Fiskars

Environ 3 500 objets sont exposés dans le musée construit à cet effet, présentant l'histoire commerciale et esthétique de la céramique Wedgwood, des vases et ornements emblématiques en jaspe et basalte noir, aux services à thé en porcelaine tendre et aux designs classiques du XXe siècle. Les points forts de la collection incluent les premières expériences de crèmerie et de jaspe de Wedgwood, la copie de Wedgwood du vase Portland, le portrait de la famille Wedgwood de 1780 par George Stubbs et les premiers exemples du médaillon Wedgwood produit pour soutenir la cause abolitionniste. Le musée retrace l'histoire de Wedgwood à travers l'évolution de la mode, de la poterie rococo à la poterie néo-classique, ainsi que des exemples de collaborations pionnières de Wedgwood avec des artistes et des designers de John Flaxman à Eduardo Paolozzi. Les collections et les archives reconnues par l'UNESCO explorent l'histoire de la famille Wedgwood, du génie créatif du fondateur Josiah Wedgwood - homme d'affaires pionnier et militant social - aux descendants notables de Wedgwood à la fois dans et hors de l'usine, du naturaliste Charles Darwin (1809 - 1882 ) au compositeur Ralph Vaughan Williams (1872 - 1958), et à leur contexte culturel plus large.

Deuxième livre de modèles de Wedgwood, vers 1811. © Fiskars

Découvrez-en plus sur la collection V&A Wedgwood, nos activités et notre programme en nous suivant : @vawedgwood.


En rapport

Ce catalogue est l'enquête la plus approfondie à ce jour sur les œuvres du musée de la Rome antique et se concentre sur 165 objets significatifs de la collection.

En rapport

Ce catalogue est l'enquête la plus approfondie à ce jour sur les œuvres du musée de la Rome antique et se concentre sur 165 objets significatifs de la collection.

Des statues de célébration aux panneaux de mosaïque complexes, l'art a été créé pour une grande variété de fonctions et de contextes au cours des siècles de règne de l'Empire romain. Découvrez ici quelques points forts de la collection d'art romain antique de l'Art Institute.

Ces objets décoratifs en bronze prennent la forme de bustes de silenoi, ou satyres matures, créatures bestiales qui étaient les compagnons de Dionysos (Dionysos, le dieu grec du vin, du théâtre et des réjouissances, devint connu des Romains sous le nom de Bacchus). Mi-humains mi-chevaux, les silenoi étaient des esprits des bois sauvages qui se livraient à diverses activités hédonistes, à savoir danser, cabrioler et abuser du vin. Ces bustes décoraient à l'origine une sorte de canapé sur lequel l'élite romaine aisée s'asseyait lors de somptueux banquets, renforçant le message de gaieté au nom de Dionysos.

Jeff Nigro : Ces deux petits personnages représentent Silenoi. Le mot Silène peut faire référence à un personnage individuel nommé Silène ou à des personnages qui lui ressemblent étroitement.

Narrateur : Silène, une créature mi-humaine mi-cheval, faisait partie de l'entourage de Dionysos, le dieu du vin et des réjouissances. Associé de recherche, Jeff Nigro. -

Jeff Nigro : Et une figure de Silène est généralement représentée comme vous le voyez ici, comme des figures masculines matures avec des barbes bouclées élaborées. Et leur couronné ici de feuilles et de baies, qui sont révélatrices du lierre, le lierre est sacré pour Dionysos. Selon ce que pensaient les écrivains anciens, les baies de lierre sont hallucinogènes. Je n'ai jamais essayé donc je ne peux pas te dire si c'est vrai.

Narrateur : Si vous regardez attentivement, vous verrez que chacun des personnages porte quelque chose sur son épaule.

Jeff Nigro : L'un des personnages est drapé dans une peau de chèvre. Les chèvres étaient sacrées pour Dionysos, tout comme de nombreux animaux sauvages. Mais l'outre de chèvre se rapporte également à l'objet qui est en bandoulière sur l'autre personnage de Silène, qui est une outre à vin. Dans l'Antiquité, avant d'être mis dans des jarres en céramique, les vins étaient conservés dans des peaux d'animaux. C'était particulièrement utile pour transporter le vin d'un endroit à un autre.

Narrateur : Bien qu'ils soient suspendus seuls aujourd'hui, à l'origine, ils auraient été présentés comme décoration sur un canapé de salle à manger, une forme de mobilier populaire pour les Grecs. Et, si cela peut nous paraître étrange, il y avait de bonnes raisons de décorer ce type de meuble avec ces barbus amateurs de vins.

Jeff : Le type de canapé décoré par ces objets était utilisé pour s'allonger pendant le symposium, un type de beuverie bruyante populaire parmi les hommes de la Grèce antique. Ainsi, la représentation de quelqu'un comme Silenus aurait été immédiatement comprise comme une sorte de, vous êtes assis ici, vous êtes ici pour faire la fête.

Cette statue d'Aphrodite, la déesse grecque de l'amour, de la sexualité et de la fertilité, a été inspirée par une célèbre sculpture antérieure connue aujourd'hui sous le nom d'Aphrodite de Cnide. Sculptée au milieu du IVe siècle avant notre ère par le sculpteur Praxitèle, la statue originale, qui servait d'image de dévotion dans un temple ou un sanctuaire, était acclamée pour sa représentation innovante de la déesse en pleine nudité. Dans le monde romain, le type statuaire était couramment affiché dans les contextes civiques, domestiques et funéraires, mais il avait une résonance particulière dans le jardin privé. Ici, la forme voluptueuse de la déesse et ses associations avec la fertilité étaient assimilées à la croissance de la végétation et au plaisir du jardin.

Katharine Raff : Aphrodite est la déesse grecque de l'Amour et dans le monde romain, elle est connue sous le nom de Vénus.

Narratrice : Conservatrice, Katie Katharine Raff.

Katie : Donc cette sculpture particulière d'Aphrodite est un type connu sous le nom d'Aphrodite de Knidos. La version originale a été créée au 4ème siècle avant JC par le célèbre sculpteur grec Praxitèle, et ce que nous examinons ici est une version romaine créée au 2ème siècle après JC, donc environ 600 ans plus tard. Ce qui est intéressant à propos de ce type particulier d'Aphrodite, c'est qu'il s'agit de la première sculpture à avoir montré une déesse du monde grec entièrement nue.

Narrateur : L'histoire raconte que Praxitèle avait fait deux statues d'Aphrodite : une où elle est vêtue et modeste et une autre, comme celle que vous voyez ici, entièrement nue. La ville de Cos a été le premier acheteur et a choisi la statue la plus modeste, laissant la ville de Cnide acheter la statue nue.

Katie : Et cela a en fait apporté un grand succès à Knidos. Tant de gens viendraient de loin pour voir cette célèbre statue nue de la déesse.

Narrateur : La statue était si populaire que certains visiteurs du temple où la statue était conservée se sont un peu emportés.

Katie : Des sources littéraires nous disent que les gens étaient carrément amoureux d'elle. Que dans un cas, un homme s'était enfermé dans le sanctuaire et lui avait laissé une tache montrant son (pause) intérêt pour la pièce.

Narrateur : Bien qu'il manque des morceaux de la statue, nous avons une idée de ce à quoi elle aurait ressemblé.

Katie : Sa main droite, qui a maintenant disparu, couvrait en fait ses organes génitaux. Mais ce n'est pas seulement le couvrir, c'est aussi en quelque sorte diriger le spectateur vers lui comme la source du pouvoir sur la sexualité et la fertilité. C’est donc à la fois dissimulé et révélateur, c’est en quelque sorte un geste intéressant.

Katie : La statue originale, bien sûr comme de nombreuses statues du monde grec antique, ne survit plus aujourd'hui. Mais nous savons qu'il était si populaire qu'il fut largement reproduit dans le monde hellénistique et dans le monde romain

Narrateur : Dans certaines versions des reproductions, les Romains se personnifiaient en fait, un peu comme un proto-photoshop

Katie : Vous savez, dans le monde romain, nous trouvons des portraits où il y aura une tête de portrait de femme, donc d'une vraie femme romaine, sur un type de corps d'Aphrodite. Vous trouverez parfois ces choses étranges, ce qui pour nous ressemble à une déconnexion où il pourrait y avoir une tête de femme plus âgée avec ce corps très jeune. Pour les Romains, ils n'y voyaient pas vraiment de distinction, le genre d'attributs et de qualités de la déesse était transmis à cette femme. Elle ne devait pas être considérée comme "Je dis que je suis Aphrodite", c'était ses qualités personnelles étaient comme celles de la déesse.

Les artistes romains étaient passés maîtres dans l'art d'adapter l'imagerie grecque à des fonctions et des contextes entièrement nouveaux. Cette image d'un guerrier grec blessé a été créée vers 447-438 avant notre ère à Athènes, où elle est apparue pour la première fois dans le cadre d'une scène de bataille mythique de soldats grecs et des légendaires guerrières amazoniennes. Cette scène décorait le bouclier de la monumentale statue culte en or et en ivoire de la déesse Athéna située dans le Parthénon. Environ cinq à six siècles plus tard, la même figure a été adaptée de son cadre religieux d'origine pour être utilisée sur ce relief architectural romain, qui ornait probablement un grand bâtiment public ou une somptueuse demeure.

NARRATEUR : Pendant l'Empire romain, les citoyens instruits étaient de grands admirateurs de l'art grec classique, à tel point qu'ils copiaient ou imitaient souvent de près les grandes œuvres d'art grec. Ce relief en marbre de l'époque romaine représentant un guerrier blessé est inspiré d'une œuvre grecque renommée réalisée cinq à six siècles plus tôt au Ve siècle av. À cette époque, une image similaire était présentée dans le cadre d'un statut monumental de la déesse grecque Athéna qui se tenait au Parthénon, le temple majeur surplombant Athènes. Athéna tenait un bouclier décoré de plusieurs images, dont un relief d'un guerrier tombé au combat. Il était probablement destiné à honorer les soldats athéniens qui ont donné leur vie en repoussant les envahisseurs perses en 480 av. Notre guerrier a été sculpté des siècles plus tard lors de l'ascension de l'Empire romain à Athènes et ressemble au relief du bouclier d'Athéna. Il tombe au sol, sa main gauche serrant son bouclier tandis que son bras droit atteint la blessure dans son dos. Son expression stoïque et sa forme musclée incarnent les idéaux gréco-romains de bravoure, de vertu et de prouesses physiques. Dans le monde romain, ces sculptures reflétaient la sophistication culturelle des collectionneurs romains et leur connaissance raffinée du passé grec. Sculpté à Athènes, le relief était sans aucun doute destiné à la villa d'un riche collectionneur romain, peut-être même de l'empereur Hadrien, qui régna au IIe siècle après JC, mais le navire qui le transportait en Italie a coulé dans le port d'Athènes. , où il gisait sous l'eau jusqu'à ce qu'il soit récupéré dans les années 1920. En 1928, il a été acheté pour l'Art Institute par Alfred Hamill, un banquier de Chicago qui a présidé le comité du musée sur l'art égyptien et classique.

Ce camée complexe, savamment sculpté dans un morceau de sardonyx, un type de pierre dure à bandes, combine un portrait de l'empereur Claude (règne 41-54 de notre ère) avec le corps idéalisé et partiellement nu de la divinité suprême Jupiter (le Zeus du grec). Ici, l'empereur tient le sceptre et la foudre du dieu, tandis qu'un aigle, animal de compagnie de Jupiter, se tient à ses pieds. Créé pour circuler parmi les membres de la cour impériale, le camée a hardiment assimilé le pouvoir de Claudius sur l'Empire romain à celui de Jupiter sur l'ensemble du cosmos.

Les empereurs romains précédents étaient rasés de près, mais Hadrien (règne 117-38 EC) portait une barbe, peut-être pour signifier son admiration pour tout ce qui est grec. Les intellectuels grecs antérieurs, en particulier ceux des Ve et IVe siècles avant notre ère, portaient de longues barbes pleines. Dans ce portrait, qui appartenait à l'origine à une statue ou à un buste en pied, le sculpteur a créé un contraste de texture saisissant entre les poils du visage étroitement coupés de l'empereur et les boucles épaisses et luxueuses de sa coiffure, qui sont coupées pour se détacher nettement de son front. .

NARRATEUR : Cette tête en marbre est un portrait de l'empereur romain Hadrien qui a régné de 117 à 138 après J. Conservatrice Karen Manchester.

KAREN MANCHESTER : C'était un empereur extrêmement populaire. Et il aimait particulièrement la culture grecque. Il se trouvait qu'il avait une grande admiration pour les Grecs et, en particulier, pour leur philosophie. Et en conséquence, il a laissé pousser une barbe que l'on peut voir faiblement représentée sur les joues de ce portrait particulier. Et c'était quelque chose que les empereurs romains avant lui n'avaient pas fait. Mais il a adapté le port de la barbe des philosophes grecs. Cette sculpture particulière est également particulièrement belle en raison de la représentation des cheveux. On peut voir cette grande masse de boucles sur son front et profondément percée. Il y a beaucoup de jeux d'ombre et de lumière.

NARRATEUR : Le sculpteur a utilisé une perceuse, encore une fois, sur les yeux pour créer des pupilles plus réalistes.

Les portraits romains ont été créés dans une variété de supports, mais les œuvres peintes survivent rarement en raison de leurs matériaux délicats. Une exception notable est un groupe de portraits naturalistes produits dans l'Égypte sous domination romaine pour une utilisation dans la momification. Généralement peints sur de fines planches de bois à l'aide de pigments mélangés à de la cire d'abeille, ces portraits étaient placés sur le visage du défunt et fixés avec des enveloppes en lin. Ici, les grands yeux aux paupières lourdes du sujet, son menton étroit et ses lèvres charnues expriment son individualité, tandis que ses cheveux épais et bouclés et sa barbe soigneusement taillée indiquent l'adoption de la mode romaine actuelle. Des détails supplémentaires en or, symbolisant la divinité et l'éternité, reflètent l'énorme dépense consacrée à la ressemblance de cet homme. En savoir plus sur les portraits de momies romaines sur le blog.

Constantin I (306-37 EC) a eu un effet transformateur sur le monde romain ultérieur. Il a proclamé la tolérance religieuse du christianisme, a réuni l'empire sous son seul règne après avoir vaincu son co-empereur Licinius (règne de 308 à 24 de notre ère) et a déplacé la capitale de Rome à Byzance (aujourd'hui Istanbul), qu'il a rebaptisée Constantinople en son honneur. . Cette pièce, frappée peu après que Constantin soit devenu l'unique empereur, le représente avec un visage jeune et rasé de près et une coiffure de mèches épaisses disposées sur son front. Ces caractéristiques évoquaient délibérément l'apparition d'empereurs plus anciens et célèbres, dont Auguste (règne 27 BCE-14 EC) et Trajan (règne 98-117 EC), liant visuellement son règne à ses prédécesseurs estimés.

L'identité de la femme représentée dans ce portrait n'est pas connue, mais son apparence distinguée suggère qu'elle occupait une position de premier plan dans la société romaine. Sa coiffure élaborée, avec un chignon à plusieurs niveaux de tresses à l'arrière de la tête, aurait nécessité l'aide d'un coiffeur qualifié, tandis que ses vêtements richement texturés et son bandeau complexe - sculptés pour suggérer qu'il était parsemé de pierres précieuses - attestent en outre à sa richesse et à son statut. Comme pour de nombreuses sculptures romaines, ce portrait a probablement été peint dans l'Antiquité, donnant au sujet un aspect plus réaliste. Apprenez-en plus sur ce buste avec cette fonctionnalité interactive.

NARRATEUR : Katherine Raff, membre curatorial de la Rice Foundation au département d'art ancien et byzantin de l'Art Institute.

KATHERINE RAFF : Dans le monde romain, la sculpture se trouvait dans les lieux publics. Il a été trouvé dans des lieux privés. Il a peuplé le monde romain d'une manière qu'il n'y a vraiment pas d'équivalent moderne.

NARRATEUR : Un maître sculpteur a sculpté ce portrait en marbre d'une femme à un moment donné entre 138 et 161 après JC, une époque de paix et de prospérité.

KATHERINE RAFF : Nous ne savons pas qui elle est. Mais elle venait probablement d'une famille de grand statut. Sa tunique est en fait si finement sculptée que la lumière brille à travers le marbre, donc celui qui l'a sculpté était un sculpteur incroyablement qualifié. Et la famille qui a commandé cela devait être assez riche.

NARRATEUR : Sa coiffure unique composée de mèches ondulées et d'une tresse enroulée en chignon sur le sommet de la tête a été popularisée par l'impératrice Faustine l'Ancienne et sa fille Faustine la Jeune.

KATHERINE RAFF : Et nous savons qu'elles portaient cette coiffure à partir des portraits de ces deux dames impériales ainsi que sur des pièces de monnaie. Souvent, les femmes impériales étaient représentées sur des pièces de monnaie et c'est souvent ainsi que nous pouvons dater ces coiffures.

NARRATEUR : Son bandeau comprend des formes rectangulaires mais suggère des pierres semi-précieuses. Et ce type particulier de bandeau semble avoir été porté par des prêtresses de la religion romaine parrainée par l'État qui auraient été associées à la réalisation des rites de dévotion associés à la vénération de la famille impériale à la fois dans la vie et dans la mort.

NARRATEUR : La sculpture romaine était généralement peinte avec des couleurs vives. Dans ce cas, la sculpture peut avoir été peinte pour correspondre aux tons des cheveux, des yeux et de la peau du sujet. Parfois, cependant, la peau était laissée seule, laissant transparaître la beauté naturelle du marbre.

Les Romains incorporaient fréquemment des pierres précieuses colorées dans leurs bijoux. Ce collier en or raffiné avec une chaîne courte et délicatement tissée comporte un seul pendentif en émeraude, une rareté dans les bijoux romains. Au dos se trouve une attache ornementale en forme de rosace en fil d'or avec un clou central en grenat. Des attaches comme celle-ci étaient une innovation romaine, et elles nécessitaient une coiffure à la mode et relevée - un signe clair du statut social du porteur - pour être pleinement appréciées.

This tall, narrow vessel is a particularly elegant example of an alabastron, a type of bottle widely used in the ancient Mediterranean world to hold precious oils and perfumes. While most alabastra have rounded, bulbous bottoms, this example is noteworthy because it tapers to an elongated point, requiring it to be placed in a stand for use. Created using the free-blown technique of glass production, its opaque, deep-blue color and white veining mimic the appearance of costly stone.

Roman houses were frequently adorned with wall paintings and floor mosaics representing foodstuffs and items associated with preparing and serving food. Such imagery was intended to convey messages to visitors about the owner’s wealth and hospitality as well as the quantity and variety of goods available in the house. The bound rooster in this panel, notable for its naturalistic representation and subtle use of color, might have represented the abundance of livestock that was available on the host’s estate, which could be consumed at a meal or sold for a profit. Learn more about this mosaic panel and others like it in this interactive feature.

This relief plaque, which depicts female attendants kneeling around a candelabrum or incense burner, is a type of architectural decoration that was employed primarily in Rome and central Italy in the early Roman Empire. Created in terracotta using molds, these plaques were produced in multiples to form decorative friezes that adorned the walls of public buildings, private residences, temples, and tombs. The plaques depicted subjects ranging from mythological imagery to scenes of daily life, and typically were painted, making them easier to see when viewed from below. This particular plaque preserves microscopic traces of yellow and red pigment, suggesting that it too was once painted.

Following an ancient practice, most Roman homes had domestic shrines, called lararia, which included bronze statuettes of the household gods (the Lares) and other deities venerated by members of the family. This statuette of an unidentified goddess or personified virtue seated on an elaborate throne likely belonged to such a shrine. Scientific analysis suggests that the figure and the throne—although both ancient—were not created as a pair but were found in the same burial site. Presumably, the throne originally belonged to another seated figure displayed in the same setting.


The Second Pompeian Style

The Second Pompeian style, or “Architectural Style”, began in Rome in the early years of the first century and was first seen in Pompeii shortly after 80 BC. This period saw a focus on architectural features and trompe-l’oeil compositions. The Second Pompeian style developed out of the First Style but the whole scheme changed in that three-dimensional objects, principally architectural features, were painted realistically rather than modeled in plaster. Some of the most famous examples of frescoes in the Second Style come from the villas at Boscoreale near Pompeii and particularly from the Villa of Publius Fannius Synistor. Four panels from this lavish villa are exceptionally reunited in this exhibition, together with a model of the villa and computer reconstructions. They provide a great setting for these various frescoes which are now sitting in eight different museums throughout Europe and the US.

Wall panels from the Villa of Publius Fannius Synistor at Boscoreale, 40 30 BC, Empire of colour. From Pompeii to Southern Gaul, Musée Saint-Raymond Toulouse © Carole Raddato Detail of fresco wall painting with garland of fruits and leaves from the exedra of the Villa of Publius Fannius Synistor at Boscoreale, 40 30 BC Empire of colour. From Pompeii to Southern Gaul, Musée Saint-Raymond Toulouse On loan from the Musée de Picardie, Amiens, France © Carole Raddato Detail of fresco wall painting with garland of fruits, leaves and sacrificial bull’s head (bucrania), from the exedra of the Villa of Publius Fannius Synistor at Boscoreale, 40 30 BC, Empire of colour. From Pompeii to Southern Gaul, Musée Saint-Raymond Toulouse © Carole Raddato Computer reconstruction of the Villa at Boscoreale undertaken for the Metropolitan Museum of Art in New York. View of room C, the entry to the villa, facing south into the entry courtyard. Infographic copyright James Stanton-Abbott Fresco depicting a winged genius holding a patera (sacrificial dish), from the north wall of the peristyle of Villa of P. Fannius Synistor at Boscoreale, 40 30 BC, Empire of colour. From Pompeii to Southern Gaul, Musée Saint-Raymond Toulouse © Carole Raddato

Alongside the frescoes from Boscoreale, the exhibition brings a number of fresco panels from a sumptuous Gallo-Roman domus which has been excavated on the plateau of La Sioutat, near the village of Roquelaure (Gers). Les domus goes back at least to the time of Augustus and has produced polychrome frescoes in a the Second Pompeian Style. These have been restored and are on loan from the Musée des Jacobins of Auch.

Fresco depicting Bacchus, discovered at the Villa de Roquelaure, dating to around 20 BC, Empire of colour. From Pompeii to Southern Gaul, Musée Saint-Raymond Toulouse © Carole Raddato Fresco in Second Pompeian style with decoration of architectural type on a red background, discovered at the Villa de Roquelaure, dating to around 20 BC Empire of colour. From Pompeii to Southern Gaul, Musée Saint-Raymond Toulouse © Carole Raddato

Lesson 4 Roman Art

This lesson includes an overview of major contributions made by the Roman civilization to architecture (concrete, arch, aqueduct) and sculpture (portraiture, relief sculpture, equestrian statuary). The Colosseum, Lupa Romana and the Roman Pantheon are included.

The Greek city states were unable to stay together as a unified nation and around 146 BC, Greece fell to the Romans. At this time, Rome was the greatest power in the civilized world, and at its very peak.

The Romans were a practical people, less interested in art and beauty than the Greeks before them. They took what they liked from the Greeks (Gods), Etruscans and other conquered peoples, and made major contributions to art, mostly in the form of architecture and civil engineering. They constructed roads, aqueducts and public baths the ruins of which are still impressive and have made it impossible for later civilizations to forget the "grandeur that was Rome".

Contributions of Roman Architecture:
Concrete - A mixture of powdered minerals and small stones used to create buildings with great domes and ceilings. (e.g. the Pantheon in Rome).
The Round Arch (dome) - This curved arrangement of stones over an open space increased architectural design possibilities. A series of round arches could also be used to build bridges and other structures.
The Aqueduct (Viaduct) - A network of man-made channels was constructed to carry water to a city using round arches to span high valleys (e.g. 600 yards at Nimes) while retaining the slope for the water to flow. Viaducts allowed the armies easier access to less hospitable areas and enable trade of goods from these areas.
The Triumphal Arch
Contributions of Roman Sculpture:
Portraits - Roman portraits (busts) were made to show specific individuals without idealization.
Relief sculpture - Large columns and triumphal arches were often covered with reliefs depicting the deeds of emperors in battle.
Equestrian statues - Statues of men on horseback. The man was often an emperor.

The Lupa Romana,

The Palazzo dei Conservatori consists of 2 small palaces in Rome. It was the seat of the city's magistrates during the late Middle Ages. Outside the palace, the 'She Wolf' with Romulus and Remus can be found.

One of the most famous animals in the history of world art, the She-wolf of the capital (Lupus Romana) owes her fame not simply to antiquity and magnificence as a work of art , but for centuries she has been the totem of the city of Rome. Ancient legend tells us that the founding heroes of Rome, Romulus and Remus, abandoned as infants, were suckled by a she-wolf. The cult of Romulus and Remus was as old as the 4th century BC and we know that a statue of the wolf was dedicated on the Capitoline Hill in Rome in 296 BC. The present statue may not be the original.

The vitality of Etruscan art is concentrated in the tense, watchful animal body, with its spare flanks, gaunt ribs and powerful legs. The lowering neck and head, the alert ears, glaring eyes and ferocious muzzle render the psychic vibrations of the fierce and simultaneously protective beast the incised lines along the neck of the bronze produce raising heckles as it watches danger approach. This bronze surpasses the great Assyrian reliefs in it's profound reading of animal temper.

In 2008 a Carbon 14 dating of the dirt and clay pieces from the statue indicated that the statue was cast in the 11-12th century A.D and is a copy of an Etruscan bronze!


This study has itself been criticized by both experts in Etruscan and Roman history but also by experts from the carbon-14 dating. The age of the Lupa Capitolina statue is therefore still under discussion.
Romulus and Remus were added in the 1400s.


Voir la vidéo: Panneau mural 3D: Donnez de la Vie à vos murs!