Vaudeville

Vaudeville

Pendant environ un demi-siècle entre 1881 et les années 1930, le vaudeville était l'une des formes de divertissement américaines les plus populaires. Son nom est d'origine incertaine, mais sa sonorité faux-française donnait une certaine aura aux spectacles, qui se distinguaient de leurs prédécesseurs en éliminant le matériel paillard et en servant désormais de l'alcool lors des représentations.


Vaudeville - Histoire

De 1880 à 1910, cette forme de divertissement populaire était au sommet du monde du spectacle. En 1882, C. E. Kohl et George Middleton ont ouvert le premier divertissement de vaudeville reconnu à Chicago, leur West Side Museum. En 1883, le couple a ouvert le Clark Street Museum un an plus tard, ils ont loué le théâtre olympique, engageant George Castle pour le gérer. En 1895, Kohl et Middleton gagnaient tellement d'argent qu'ils louèrent l'Opéra de Chicago trois ans plus tard qu'ils achetèrent le Haymarket. En 1900, Kohl a racheté les baux de Middleton&aposs et plus tard, avec George Castle, a construit le Majestic, a acquis l'Académie de musique, a repris le Star et a ouvert le premier théâtre Palace de Chicago&aposs. Mais cette société n'est jamais devenue nationale, mais a plutôt été vendue au circuit Orpheum. Basé à San Francisco, Orpheum, avec le circuit Keith-Albee, a dominé le vaudeville « grand temps ». (Il y avait aussi le vaudeville « small time » moins cher et, pour un prix encore plus bas, les maisons burlesques.)

Chicago n'a toujours suivi que New York dans les arrêts de vaudeville. Ses plus grands théâtres pouvaient accueillir environ 2 000 spectateurs, les plus importants étant l'Academy of Music (sur South Halsted), le Haymarket et le McVickers&aposs (tous deux sur West Madison) et le Majestic (sur West Monroe, rebaptisé le Shubert en 1945). Il y en avait deux douzaines d'autres à l'apogée du vaudeville, dont l'Olympic, le Folly, le Howard&aposs, l'International, le Metropolitan Music Hall, le Palace original, Sid Euson&aposs, le Trocadéro, l'Hippodrome de l'Alhambra, le Colonial [l'ancien Iroquois], le Empress, le Julian, l'hippodrome de Marlowe, l'hippodrome de l'étoile, le Willard et l'avenue Wilson (les plus connues des maisons « suburbaines » périphériques, mais une seule parmi tant d'autres). Le Pékin (au 2700 South State Street) appartenait à une catégorie spéciale en tant que maison de vaudeville unique détenue et exploitée par des Noirs. Le début de la fin de l'ère du vaudeville est survenu en 1921 avec l'ouverture du théâtre Balaban et Katz&aposs Chicago, qui proposait à la fois des films et des spectacles pour le même prix que les spectacles de vaudeville uniquement. En 1930, le vaudeville pur était mort, écrasé par Hollywood.


Vaudeville - Histoire

Le "programme officiel" de 1894 reproduit ici est antérieur au rôle de directeur de F. H. Layer, mais c'est le seul programme que j'ai trouvé. Notez que "Maple Opera House" était apparemment l'un des premiers noms de "Chicago Opera House".

L'époque de 1903 à 1911 était une époque sans radio, sans télévision et sans vidéoclubs. Les enregistrements phonographiques, à la fois de type disque et cylindre, commençaient tout juste à être développés pour les gramophones et graphophones primitifs non électriques. De plus, de courts films muets de cinq et dix minutes commençaient tout juste à être disponibles en tant que nouveautés supplémentaires lors des spectacles de lanternes magiques.

Ainsi, la principale forme de divertissement dans les petites villes américaines était le divertissement en direct, comme les spectacles de talents à domicile, les conférenciers, les spectacles de vaudeville itinérants, les ménestrels, les comédies musicales et les drames. Pour répondre à ce besoin, de nombreuses villes ont créé un théâtre et un centre communautaire, souvent appelés « maison d'opéra ».

Chicago Junction, Ohio (rebaptisé Willard, décembre 1917) ne faisait pas exception, et la variété des spectacles proposés par le "Chicago Opera House" était incroyable par rapport aux normes de la fin du vingtième siècle pour une ville de 3000 habitants. L'opéra original de Chicago House (connu plus tard sous le nom de Hoffman's Hall ou Maple Opera House) contenait 440 sièges amovibles et offrait une forme d'activité presque tous les soirs, notamment des danses, des cours de danse, des concerts, des banquets, de la lutte et des conférences illustrées. C'était vraiment la "fenêtre sur le monde" de Willard.

Lorsque j'ai découvert que mon arrière-grand-père, Fred Henry Layer, avait dirigé l'Opéra de Chicago, j'ai cherché toutes les sources d'informations disponibles sur sa carrière de juillet 1903 à décembre 1911 environ. Puis, un été, j'ai compilé ces informations en trois listes publiées dans un format de livre avec des photographies de famille et des coupures de journaux originales de nombreux événements. Ce livre est maintenant en dépôt à la bibliothèque publique Willard. Ces listes compilées en 1988 ont été mises à jour sur ce site Web et des photographies récemment localisées ont été incluses.

Malheureusement, FHL est décédé à un jeune âge et n'a laissé aucun souvenir - je suis sûr qu'il avait des histoires à raconter ! La meilleure description de première main que j'ai trouvée - et que je recommande vivement - est le chapitre sur Xenia, l'opéra de l'Ohio dans "Ohio Town" de Helen Hooven Santmeyer (Harper & Row, New York, 1984). Il couvre la même époque et quelques-uns des mêmes road shows itinérants.

Le livre de Joseph F. Dush History of Willard, Ohio (Dush, 1974) comble également certaines des lacunes de l'histoire, tout comme le merveilleux récit de première main de Verna William, "Hoffman Hall", publié dans la Newsletter de la Willard Area Historical Society. (pages 140-144, sept-oct 1983).

Notez que la place du Chicago Opera House dans la vie de Willard a considérablement diminué lors de l'ouverture du nouveau Masonic Opera House de 800 places (le "Temple Theatre") en janvier 1912. Le premier directeur du Temple Theatre était SC Rumbaugh, qui a également dirigea l'Opéra de Chicago au début de 1903 avant que Fred Henry Layer ne prenne la relève. Je suppose que FHL a quitté son poste de directeur en décembre 1911 parce que tous les grands spectacles auraient lieu au nouveau Temple Theatre. Son petit théâtre ne pouvait rivaliser avec le nouveau. La gestion de l'Opéra de Chicago fut alors assumée par l'un des propriétaires du bâtiment, Henry Hoffman, qui le rebaptisa « Hoffman Opera House ». Le bâtiment de l'Opéra de Chicago existe toujours, mais de nombreuses décennies se sont écoulées depuis sa dernière utilisation en tant que salle de réunion municipale - même le Temple Theatre n'est plus utilisé.

J'espère que ce morceau d'archéologie du vaudeville sera utile aux chercheurs du vaudeville américain des petites villes. Les listes sont alphabétiques par artiste, alphabétique par titre de la pièce ou du spectacle et chronologique par événement.


Publié par travsd

Écrivain et interprète Trav S.D. (www.travsd.com) est surtout connu pour ses livres "No Applause, Just Throw Money: The Book That Made Vaudeville Famous" (2005) et "Chain of Fools: Silent Comedy and Its Legacies from Nickelodeons to Youtube" (2013) . Il a écrit pour le NY Times, le Village Voice, l'American Theatre, Time Out NY, Reason, the Villager et de nombreuses autres publications. Trav est à l'avant-garde du vaudeville et des scènes burlesques de New York depuis 1995 lorsqu'il a lancé sa compagnie Mountebanks, présentant des centaines d'actes allant de Todd Robbins à Dirty Martini à Tammy Faye Starlite aux Flying Karamazov Brothers. Il a dirigé ses propres pièces de théâtre, revues et pièces solo dans des lieux tels que Joe's Pub, La Mama, HERE, Dixon Place, Theatre for the New City, l'Ohio Theatre, le Brick et 6 spectacles distincts au NY International Fringe Festival. En 2014, il a produit et réalisé le hit « I'll Say She Is », la toute première reprise du spectacle à succès des Marx Brothers de 1924 à Broadway au NY International Fringe Festival. Voir tous les messages de travsd


Personnes, lieux, épisodes

* L'histoire du Black Vaudeville est célébrée à cette date en 1875. Il s'agissait d'une communauté de performances noires issue du mouvement et du style de la scène américaine.

Les années de vaudeville ont commencé à la fin de l'ère de la reconstruction, du début des années 1880 jusqu'au début des années 1930. Ces actes noirs étaient uniques parce que les interprètes apportaient une expérience différente que les interprètes blancs ne pouvaient pas transmettre. Bien que les artistes noirs aient rencontré Jim Crow, un concert de vaudeville était mieux que d'être une bonne ou un ouvrier agricole. Vaudeville avait ce qu'ils appelaient des circuits pour garder le show business organisé à l'époque. Il était difficile pour un artiste noir d'être accepté dans le circuit blanc. Finalement, des circuits noirs ont été créés pour donner aux artistes noirs plus d'opportunités. Black Vaudeville a permis aux Afro-Américains de profiter du divertissement à travers leur propre héritage.

Les sœurs Hyers, Anna et Emma furent les premières femmes noires à se produire sur la scène du Vaudeville en 1876. Leur spécialité était la comédie et le chant. Plus tard, ils ont dirigé une troupe de théâtre pendant 30 ans qui contenait une multitude d'actes. En 1888, Pat Chappelle, un showman Black Vaudeville, propriétaire de théâtre et entrepreneur, a lancé les Imperial Colored Minstrels et la Rabbit's Foot Company de 1902 étaient toutes deux des compagnies de vaudeville détenues et exploitées par des Noirs. La Rabbit's Foot Company a été achetée en 1912 par F. S. Wolcott, un fermier blanc qui possédait une petite entreprise de carnaval, F. S. Wolcott Carnivals. Wolcott a maintenu la compagnie Rabbit's Foot en tant que spectacle de tournée, initialement en tant que propriétaire et gérant, et a attiré de nouveaux talents, dont la chanteuse de blues Ida Cox qui a rejoint la compagnie en 1913. Pendant cette période, Williams et Walker ont également commencé à se produire. "Ma" Rainey a également amené la jeune Bessie Smith dans la troupe jusqu'en 1915.

La base de tournée du spectacle a déménagé à la plantation Glen Sade de 1 000 acres de Wolcott à l'extérieur de Port Gibson, Mississippi en 1918, avec des bureaux au centre de la ville. Chaque printemps, des musiciens de tout le pays se réunissaient à Port Gibson pour créer un spectacle musical, comique et de variétés à jouer sous la toile. Dans son livre L'histoire des bleus, Paul Oliver a écrit : Les 'Foots' voyageaient dans deux voitures et avaient une tente de 80' x 110' qui a été élevée par les roustabouts et les hommes de toile, tandis qu'une fanfare défilait en ville pour annoncer la venue du spectacle. La scène serait constituée de planches sur un cadre pliant et des lanternes Coleman – des lampes à essence – faisaient office de rampes. Il n'y avait pas de microphones, les chanteuses aux voix plus faibles utilisaient un mégaphone, mais la plupart des chanteuses de blues en vedette méprisaient ces aides au volume.

La compagnie, à cette époque connue sous le nom de "F.S. Wolcott's Original Rabbit's Foot Company" ou "F.S. Wolcott's Original Rabbit's Foot Minstrels", a continué à effectuer ses tournées annuelles dans les années 1920 et 1930, jouant dans les petites villes pendant la semaine et les grandes villes le week-end. Le spectacle a servi de base à la carrière de nombreux musiciens et artistes noirs de premier plan, dont Butterbeans et Susie, Tim Moore, Big Joe Williams, Louis Jordan, George Guesnon, Leon "Pee Wee" Whittaker, Brownie McGhee et Rufus Thomas. Wolcott est resté son directeur général et propriétaire jusqu'à ce qu'il vende l'entreprise en 1950, les dossiers suggèrent que sa dernière représentation était en 1959. Comme vaudeville becunemoi plus populaire la compétition pour l'acte "le plus voyant" a augmenté. Au fur et à mesure que le ménestrel devenait moins populaire, d'autres types de mouvements furent créés et portés sur la scène du Vaudeville.

La danse était une pièce de divertissement qui était acceptée dans presque tous les créneaux de l'affiche d'un spectacle de vaudeville. Tap, un terme inventé avec le Les folies de Ziegfeld en 1902, était un style qui était souvent vu. Cela a commencé avant la guerre civile en imitant et en se moquant des mouvements raides de leur maître blanc. C'est à la même époque que l'hambon a été inventé. Sans batterie, le hamboning était un moyen de créer des rythmes percutants avec leur poitrine et leurs cuisses. Dans les années 1870 et 1880, le hamboning était mélangé à des danses de sabots et à des gigues irlandaises pour créer des claquettes. Vaudeville avait vu deux types de claquettes : le buck-and-wing et le soft shoe quatre-quatre temps. Buck-and-wing consistait en des mouvements de glissement, de glissement et de piétinement à grande vitesse. L'aile était une portion dans laquelle, lors d'un saut, les pieds continuaient à danser dans les airs. La chaussure souple était plus décontractée et élégante.

Des plaques de métal ont été ajoutées au bas des claquettes pour créer un son de percussion plus fort. Cependant, après huit minutes de danse, la scène de Vaudeville en bois s'effondrerait facilement. Les propriétaires de théâtre ont remplacé la section de la scène qui se trouvait devant le rideau par du bois d'érable durable de haute qualité. Parmi les saigneurs célèbres de l'époque et qui le sont encore aujourd'hui figurent Buster Brown et les Speed ​​Kings, Beige & Brown et Bill "Bojangles" Robinson.

En général, les Chitlin' Circuits étaient les associations de réservation des artistes noirs. L'association pour les artistes blancs était intitulée Theatre Owners Booking Association (T.O.B.A.) ou « dur aux acteurs noirs ». Le modèle de T.O.B.A. était S.H. Dudley Enterprises appartenant à Sherman Dudley. Il ne traitait pas les artistes blancs et noirs de la même manière, c'est pourquoi les circuits de chitlin ont été créés. Les associations de réservation agiraient en tant qu'intermédiaire entre l'agent de l'artiste et le propriétaire du théâtre. Le talent comprenait des artistes de plusieurs métiers tels que des acteurs, des chanteurs, des comédiens, des musiciens, des danseurs et des acrobates. Le circuit a été nommé d'après la nourriture que les Blancs considéraient comme dégoûtante. Les groupes en tournée se produisaient dans plusieurs lieux tels que les auditoriums des écoles, car les théâtres n'étaient pas toujours disponibles. « Ils se rendaient dans les quartiers noirs pour leur apporter du divertissement. Cela a touché la communauté que T.O.B.A. manquait.

Les musiciens et compositeurs noirs de l'ère du vaudeville ont influencé la comédie musicale américaine, le jazz et le théâtre musical de Broadway. La musique populaire de l'époque était le ragtime, composé du piano et du banjo. Ragtime a été développé à partir de la musique folk noire. Le tempo de Ragtime correspondait au rythme du spectacle de type revue vaudevillian. Thomas Greene Bethune ou "Blind Tom", un génie du piano, aurait été reconnu comme un enfant prodige comme Mozart s'il n'était pas né noir. Tom a composé 100 morceaux et pouvait en jouer plus de 7 000. Il a été exploité par un propriétaire d'esclaves, John Bethune. Par exemple, John a laissé Tom jouer pour se faire de l'argent. "Blind Tom" a gagné 100 000 $ en 1866 et n'a reçu que 3 000 $. John William Boone était un autre pianiste aveugle, professionnel à l'âge de quatorze ans, connu sous le nom de « Blind Boone ». John et Tom partageaient un style de piano ragtime de « jig piano ». Cela consistait en la main gauche jouant le rythme du juba tandis que la main droite jouait les mélodies du violon et du banjo. Cette musique dépeignait des danses d'esclaves, y compris des rythmes créés par le seul instrument qui leur restait, leur corps.

Nadine George-Graves, spécialiste des études de théâtre noir, écrit que les Whitman Sisters étaient l'un des groupes les mieux payés du circuit du vaudeville. Les sœurs ont commencé à se produire vers 1899. Elles chantaient et dansaient. Les sœurs ont commencé à jouer pour leur église. Plus tard, les deux sœurs aînées ont été invitées à se produire à New York par George Walker, mais leur père et leur manager ont dit non, alors elles sont restées pour terminer leurs études. Les sœurs ont continué à se produire dans le sud. Finalement, elles ont pu se produire pour le roi George V. Les sœurs ont lancé une compagnie appelée The Whitman Sisters’ New Orleans Troubadours. Ils ont ajouté d'autres actes tels que Bill "Bojangles" Robinson. Les gens de toutes races ont apprécié leur spectacle.

Même après que le Vaudeville n'était plus à son apogée, ils ont continué à se produire dans les théâtres et les églises du pays et ont été admirés par tous les types de spectateurs. En 1915, Clarence Williams était un musicien vaudevillien qui a pu enregistrer son numéro avec Armand Piron sur disque. Au fur et à mesure que le film a émergé dans les années 1920, la place des productions scéniques a changé. Broadway a fait signe au théâtre qui a choisi un contenu de public plus lié à l'art. Le théâtre Lafayette et la maison Karamu étaient deux des premières entreprises de scène noires.


Trash ET HISTOIRE DE VAUDEVILLE

Trash and Vaudeville a été fondé par Ray Goodman en 1975.

Né de la scène rock et punk des années 1970 sur St. Marks Place à New York, Trash and Vaudeville a toujours fourni une grande variété de mode alternative pour les rockers, les mods, les punks, les goths, les rockabillies et les héros de la classe ouvrière de tous les jours qui voulaient juste marcher et s'habiller du côté sauvage.

Trash and Vaudeville a été fondé par Ray Goodman en juin 1975. Ray a découvert St. Marks Place à l'âge de 13 ans et ne l'a jamais quitté. Il a été immédiatement attiré par l'énergie incroyable qui a déferlé tout au long du bloc. Quelle que soit la scène - Beatniks - Hippies - Glam - Punk - tout se passait sur St. Marks Place.

Ray a passé la plupart de son temps libre à St. Marks Place. Il y avait l'Electric Circus, le Fillmore East et les CBGB, tous à quelques pâtés de maisons du quartier. Certains des plus grands Meccas du Rock n' Roll sont là. L'amour de Ray pour la musique Rock l'a inspiré à ouvrir un magasin de vêtements qui serait entièrement influencé par le Rock n' Roll.

Tout de suite, Trash et Vaudeville ont attiré des musiciens et des groupes cherchant à s'habiller dans un style qui embrasse leur individualité et leur créativité. St. Marks Place a toujours été un lieu de rassemblement pour le « cool », avec une énergie qui coule encore aujourd'hui.

Le magasin est à son emplacement d'origine depuis son ouverture. La liste des artistes, musiciens, acteurs, habitants de la rue, adolescents rebelles et personnes de partout qui ont fait leurs achats dans le magasin s'allonge encore et encore. Qui que ce soit, quand ils partent, ils ont fière allure et se sentent bien !

Nous espérons que tout le monde pourra avoir un morceau de ce rêve, de ce sentiment, de cet esprit, de cette jeunesse qui est à la fois classique et nouvelle, mais toujours Rock n' Roll.


Histoire du cinéma : des maisons de vaudeville aux cinémas de luxe


Les maisons de vaudeville existaient bien avant les nickelodéons et les cinémas. L'idée principale derrière une maison de vaudeville était d'afficher des actes en direct, chacun d'une durée de cinq à dix minutes à un public. Alors que la classe supérieure ne s'aventurait pas dans ces maisons, à la fin des années 1800, elles étaient la forme dominante de divertissement de masse. Les actes montraient souvent des actes inhabituels ou comiques, et divers autres actes divertissants tels que des performances de magicien. Leur succès était probablement dû au prix d'entrée très bas, entre cinq et dix centimes. Il y avait aussi un changement hebdomadaire d'actes et cela fonctionnait parfaitement car les artistes venaient de tout le pays pour jouer leurs actes devant différents publics dans différents États. De cette façon, il y avait toujours quelque chose de nouveau pour le public et les artistes étaient constamment en poste. Cette méthode s'appelait le circuit de vaudeville inter-États et était l'une des principales raisons pour lesquelles les gens étaient attirés par ces maisons semaine après semaine.

Cependant, l'importance des maisons de vaudeville pour l'histoire du cinéma remonte à l'arrivée des frères Lumière aux États-Unis. Une fois sur place, ils accrochaient leur cinématographe à la lanterne magique et projetaient leurs courts métrages devant un public vivant dans des maisons de vaudeville. Edison a naturellement estimé qu'ils constituaient une menace pour son empire croissant de l'industrie cinématographique, car avant leur arrivée, les gens ne pouvaient regarder ces courts métrages individuellement qu'à l'aide d'un kinétoscope. Les gens en avaient assez de ces présentations de films uniques et l'idée de regarder un court métrage avec un large public semblait beaucoup plus attrayante et Edison a donc imité les frères Lumière et a également projeté ses courts métrages dans des maisons de vaudeville à travers le pays. On voit bien comment les maisons de vaudeville ont déclenché l'idée d'un théâtre moderne. L'ambiance conviviale et le public bondé mènent à des nickelodéons. Nickelodeons coexisterait alors avec des maisons de vaudeville mais se concentrait principalement sur des courts métrages plutôt que sur des actes. Plus tard, des théâtres de luxe ont été construits et sont devenus le lieu de prédilection des cinéphiles, mais tout a commencé avec ces maisons de vaudeville à l'ancienne qui ont introduit l'idée simple d'un public assis ensemble pour profiter d'une sorte de divertissement pour un prix d'entrée bas. Cela a aidé l'industrie cinématographique à trouver son public cible, tout le monde.

Le théâtre de luxe joue un rôle très important dans l'établissement du développement précoce du film. La raison en est qu'avant la construction de ces théâtres, les nickelodeons et les maisons de vaudeville ne jouaient que des courts métrages. On peut très bien prétendre que l'essor des salles de luxe a entraîné le déclin à la fois des maisons de vaudeville et des nickelodéons. Alors que les nickelodéons et les maisons de vaudeville coexistaient souvent en jouant des courts métrages et des actes avec des nickelodéons jouant plus de courts métrages de fiction que d'avoir des actes joués et des maisons de vaudeville vice versa, les deux étaient la principale source de divertissement du public. Cependant en 1915 et le succès des longs métrages, tout a changé. Les théâtres de luxe ont été nouvellement construits et construits contrairement aux nickelodeons qui ont évolué à partir des maisons de vaudeville. Ces salles n'étaient en aucun cas une conversion, car les longs métrages ne pouvaient pas jouer sur des nickelodéons et devaient donc construire des salles de luxe.

Maintenant que l'industrie cinématographique était en plein essor, le cinéma de luxe offrait bien plus que les maisons de divertissement à l'ancienne. Premièrement, ils étaient beaucoup plus grands et pouvaient contenir jusqu'à 6 000 sièges. Il y avait le changement de programme hebdomadaire décontracté et chaque semaine, l'extérieur décoratif illuminait un nouveau titre de film avec des ampoules colorées. Ils offraient également un meilleur service car beaucoup de travail était nécessaire pour exploiter un théâtre de luxe, de la vente de billets aux huissiers qui accompagnent les clients jusqu'à leurs sièges assignés, etc. Naturellement, avec un meilleur service et un environnement plus propre, les prix ont augmenté. Au lieu de payer cinq ou dix cents, les billets coûtent entre un et deux dollars. Par conséquent, les films n'étaient plus réservés à la classe inférieure, et finalement la classe moyenne et supérieure considérerait les films comme une forme de divertissement appropriée. S.L. Rothafel peut être crédité d'avoir fait des théâtres de luxe un environnement si agréable, car sa devise était de traiter le public comme des rois et des reines. Il a ensuite ajouté un système de refroidissement et les théâtres ont été climatisés pour la première fois de l'histoire. Cependant, avec tous ces services spéciaux tels que les programmes imprimés et les cinémas climatisés, l'industrie cinématographique n'a jamais perdu son public car tout le monde pouvait se permettre d'assister à ces cinémas de temps en temps. En fait, ces cinémas de luxe n'ont fait que des films cinématographiques la forme dominante de divertissement.

Le Virginia Theatre en 1921


Liste des artistes de vaudeville : A–K

C'est une partie liste des artistes de vaudeville. L'inclusion sur cette liste indique que le sujet est apparu au moins une fois sur la scène de vaudeville nord-américaine à son apogée entre 1881 et 1932. La source dans la citation incluse avec chaque entrée confirme leur apparition et cite des informations dans la section notes de performance.

Le vaudeville était un style de divertissement de variété prédominant à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Se développant à partir de nombreuses sources, y compris les salons, les spectacles de ménestrels, les spectacles de monstres, les musées à dix sous, les pantomimes britanniques et d'autres formes de divertissement populaires, le vaudeville est devenu l'un des types de divertissement les plus populaires en Amérique, au Canada, en Australie et en Nouvelle-Zélande. Le vaudeville a pris la forme d'une série d'actes distincts et indépendants, chacun présentant un type de performance différent, notamment des actes musicaux classiques et populaires, des spectacles de danse, de la comédie, des actes d'animaux, de la magie et des illusions, des imitateurs féminins et masculins, des prouesses acrobatiques et athlétiques, un -jouer des pièces de théâtre ou des scènes de meurtres, de conférences, de ménestrels ou même de courts métrages. Un artiste de vaudeville est parfois appelé « vaudevillian ».


Liste des artistes de vaudeville célèbres

Liste des artistes de vaudeville célèbres, avec photos, biographies et autres informations lorsqu'elles sont disponibles. Qui sont les meilleurs artistes de vaudeville au monde ? Cela inclut les artistes de vaudeville les plus en vue, vivants et morts, tant en Amérique qu'à l'étranger. Cette liste d'artistes de vaudeville notables est classée en fonction de leur niveau d'importance et peut être triée en fonction de divers éléments d'information, tels que l'endroit où ces artistes de vaudeville historiques sont nés et leur nationalité. Les personnes sur cette liste viennent de pays différents, mais ce qu'elles ont toutes en commun, c'est qu'elles sont toutes des artistes de vaudeville renommés.

La liste comprend Mickey Rooney, James Dunn, plus. Mettant en vedette des comédiens, des acteurs et des stars de vaudeville célèbres, cette liste a tout pour plaire.

Des artistes de vaudeville réputés, éminents et bien connus aux artistes de vaudeville moins connus d'aujourd'hui, ce sont quelques-uns des meilleurs professionnels dans le domaine des artistes de vaudeville. Si vous voulez répondre aux questions « Quels sont les artistes de vaudeville les plus célèbres de tous les temps ? » et "Quels sont les noms des artistes de vaudeville célèbres ?" alors vous êtes au bon endroit.

Photo : Allan Warren / Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0

Vaudeville : l'étrange et merveilleux paysage onirique de la danse et de la chanson

Pensez aux sketchs comiques de fin de soirée, en particulier Saturday Night Live. Pensez aux émissions de compétition qui présentent des cascades audacieuses et étonnantes. Pensez aux spectacles de danseuses qui ont pris racine dans le Far West et n'ont jamais quitté l'Amérique. Pensez aux amuseurs publics dans les rues de la Nouvelle-Orléans. Pensez aux mimes des rues de New York.

Vaudeville, à l'origine un mot pour une chanson satirique, est à la fois plus ancien et plus contemporain qu'on ne le croit. Une résurgence des cascades, l'exposition d'"humains inhabituels" - cette fois avec une approche plus éthique - et le burlesque parlent tous d'une fascination pour l'étrange et le merveilleux qui ne sont jamais partis, et dans un monde de troubles sociopolitiques et de changements profonds , sont de plus en plus pertinents.

Les origines du vaudeville sont profondément liées au cirque et au spectacle, en particulier l'aspect itinérant et l'utilisation de l'acrobatie et de ce qu'on appelle maintenant les arts du flux. Dans l'ensemble, la forme du vaudeville était si large qu'elle est devenue synonyme de variété, bien que certains suggèrent que la variété avait une connotation risquée, tandis que le vaudeville était plus familial avec un dédain pour les formes d'art connexes telles que le burlesque. Cependant, comme ses descendants, la télé-réalité et la variété de fin de soirée, le vaudeville a un certain aspect de débauche, bien qu'assaini dans certaines itérations ultérieures par les producteurs Tony Pastor et Benjamin Franklin Keith, qui reflète ses origines dans le salon du salon.

Il célèbre aussi simplement le ridicule.

Le théâtre de variétés (les origines de la télévision de variétés populaire dans les années 2760) remonte aux spectacles itinérants européens. Comme pour la télé-réalité aujourd'hui, les gens s'intéressaient moins au « réel » qu'à l'irréel. Le surréaliste.

Comme le suggère l'ADN européen du vaudeville, de nombreuses troupes et maisons itinérantes étaient dirigées par des familles immigrées. En effet, un sentiment d'identité ethnique - ou des nuances de conflit - a imprégné de nombreux spectacles de vaudeville.

Malheureusement, le blackface et d'autres caricatures de personnes de couleur ont fait de même. En fait, le terme « Jim Crow » est dérivé d'une chanson du vaudevillian Thomas D. Rice. De nos jours, de telles performances sont complètement taboues dans la communauté des arts de la performance. Les artistes noirs ont également subi un traitement injuste de la part des producteurs et ont ainsi développé leurs propres compagnies de réservation et troupes de spectacle. Parmi les plus célèbres figurait la Pat Chappelle's Rabbit Foot Company, un spectacle de ménestrels itinérant à trois voitures originaire de Jacksonville, en Floride, qui présente toujours une scène dynamique de néo-vaudeville et de cirque.

En effet, malgré les obstacles présentés par le racisme, le vaudeville était particulièrement stimulant pour certaines personnes de couleur, telles que les vaudevillians George Walker et Bert Williams, la showgirl Josephine Baker et le ventriloque Richard Potter (nous en parlerons plus tard).

De plus, les styles musicaux du vaudeville étaient liés au ragtime, qui s'est développé à partir de la musique folk afro-américaine. Le ragtime a apporté un tel choc aux oreilles américaines qu'il est devenu une puissante influence sur le théâtre musical et la musique populaire à ce jour.

Pendant ce temps, les films ont également adopté le vaudeville dans un sens, favorisant des productions luxuriantes avec des démonstrations d'acrobatie, des dizaines de danseuses et des clowns.

Les films réalisés entre les années 1930 et 1950 ont largement adopté de telles scènes épiques, ce qui a conduit les critiques du film de retour. La La Land pour gémir, "Ils ne font plus de films comme ça."

Les Spectacle Ed Sullivan a porté la variété classique à la télévision. Les Ed Sullivan Show l'impact sur le divertissement américain contemporain ne peut pas être surestimé. Considérez les spectacles du soir omniprésents mettant en vedette des artistes invités populaires aux côtés de comédies présentées par l'hôte. Croquis d'émissions humoristiques, en particulier celles qui se fondent dans de la musique en direct, comme Saturday Night Live, est devenu un incontournable du divertissement de fin de soirée.

Les Spectacle de Dick Van Dyke diffusé au début des années 60 et fréquemment référencé à Le spectacle d'Ed Sullivan. Il présentait lui-même un certain nombre d'artistes de variétés qui, dans le spectacle à l'intérieur d'un spectacle, se produisaient sur Le spectacle d'Alan Brady, une production de variétés fictive produite par Alan Brady, interprétée par Spectacle de Dick Van Dyke producteur Carl Reiner (père de La princesse à marier réalisateur Rob Reiner). (Est-ce assez de couches de méta pour vous ?). Les interprètes comprenaient des danseurs de claquettes, des chanteurs, des comédiens burlesques et des marionnettistes.

L'utilisation de marionnettes dans le Spectacle de Dick Van Dyke rappelle le vaudeville du début du XXe siècle, dans lequel les actes de ventriloque étaient particulièrement populaires.

Cette forme d'art, comme la plupart des marionnettes, avait des origines à la fois théâtrales et rituelles et s'est développée en Angleterre, d'où elle s'est propagée en Amérique et dans d'autres parties de l'Europe. Il est difficile de déterminer qui était le premier ventriloque en Amérique, mais la prétention de Richard Potter à la gloire comme l'un des premiers à exécuter le célèbre tour de boire en parlant le marque certainement comme l'un des premiers marionnettistes importants d'Amérique – et un artiste noir important également.

Jim Henson a célébré avec plaisir le lien historique entre la marionnette et le spectacle de variétés à Les Muppets, qui a utilisé le format Ed Sullivan et sa narration fortement méta à effet comique. Henson a également introduit une nouvelle forme de marionnette, la marionnette à main et à tige, qui est devenue un incontournable du divertissement de variétés de marionnettes plus orienté vers les adultes vu dans des émissions telles que Avenue Q et Main à Dieu, ainsi que la scène de la marionnette indépendante en constante croissance.

Le burlesque a commencé comme des sketches satiriques, mettant souvent en scène des costumes élaborés, des opéras parodiés en particulier et d'autres divertissements « de grande classe ». Aujourd'hui, des émissions similaires sont réalisées par Mel Brooks et Weird Al Yankovic, ou vues dans des films tels que Film d'horeur. Avec le temps, alors que les speakeasies devenaient populaires, la danse sexy – chassée du vaudeville par des producteurs tels que Pastor – et la comédie de débauche du vaudeville d'avant la Prohibition ont fusionné. Ces « maisons burlesques » sont devenues un lieu sûr pour les divertissements osés et une plate-forme puissante pour les artistes de couleur afin de gagner de l'argent pour leur performance.

Joséphine Baker, comme indiqué ci-dessus, était célèbre pour son acte dans lequel une jupe de bananes couvrait à peine ses fesses, et a également connu une carrière cinématographique.

Le burlesque, tout comme le mouton noir de la famille cirque/vaudeville au début du 20e siècle, a accueilli pas mal d'artistes à cheval sur les deux royaumes. Plus particulièrement, les sœurs Baby June alias Dainty June et Baby Rose alias Gypsy Rose Lee ont eu des carrières disparates mais majeures croisant le vaudeville, le burlesque et le cinéma.

Burlesque re-emerged in the early 1990s with two main forms: what’s called “classic” burlesque but actually draws from the New Orleans traditions and is typically performed with a sensual approach to slow music, often jazz, and “neo-“ or “alternative” burlesque, which combines stripping and sexy dance with a storyline. Common variants of the latter include geeklesque and horrorlesque. In addition, burlesque performers frequently enhance performances with skills and aspects of other vaudeville and circus forms.

A ll forms of vaudeville and its related performance forms connect a public seeking escape from their everyday troubles with celebrations of all humanity’s quirks. From reality television and late-night shows to contemporary circus, people still love to grab popcorn and booze and enjoy so-called lowbrow entertainment — most of which engages with current sociopolitical issues in a much more fun way.

Rachel Wayne is a cirque, burlesque, and neo-vaudeville performer based in Florida. She is also a producer and a visual anthropologist.


Vaudeville Performers - History

Historians cite various beginning and ending years for Vaudeville. Some say Vaudeville began as early as the mid-1850s, ending around the 1950s. However, the general professional consensus is that Vaudeville's golden years were from early 1881 until late 1932.

The founding of Vaudeville is often attributed to Tony Pastor, affectionately

named "The Godfather of Vaudeville." Tony started entertaining audiences at the young age of six, singing at churches and halls. However, his big break occurred when P.T. Barnum selected him to be the main act at the American Museum Building in New York City. After many years of working for Barnum, Pastor purchased his own Music Hall and began developing family-friendly shows. Although Pastor prohibited alcohol at the venue, the public's enthusiasm for the Vaudeville shows generated healthy profits. Their excitement translated into income, which allowed Mr. Pastor to purchase a larger theater in the area known today as Broadway. Some historians believe Vaudeville debuted in 1881 at Tony's Broadway Theater.

By the turn of the Century, Vaudeville Shows became known as "The Heart of America," with over 1000 theaters earning over $30 million per year by 1907. Fresh and exciting performers were in high demand with numerous casting calls in entertainment trade papers like Variety and Billboard. Entertainers were promised consistent employment because chains of theaters called circuits shared talent bookings. Theaters offered 2-4 shows per day with various acts ranging from singers to mimes. Because of the enormous demand for talent, George Fuller Golden established The White Rats, a Vaudeville Performers Union. Golden was a famous prize-winning boxer and intellectual comedian of the period. Unfortunately, The White Rats disbanded quickly because of strikes and the formation of competing organizations, the Vaudeville Managers Association and The United Box Office Organization.

Vaudeville spanned four decades, bridging the gap from saloon and tent acts to motion pictures "talkies." During the golden years of Vaudeville, many stage artists, musicians, and athletes rose through the ranks from "small time" stages in lower-class neighborhoods and towns to "mid-time" venues, playing for middle-class audiences and families. Entertainers who really connected with audiences landed contracts in the "big time," earning celebrity status at the most famous Vaudeville Theaters like the Palace on Broadway.

Lillian Russell, affectionately nicknamed "the American Beauty," debuted at Tony Pastor's Music Hall. By 1904 Lillian garnered the highest salaries in Vaudeville. She remained the top female star until her last performances at the Palace in 1919. In Vaudeville, another woman with equal celebrity status, Eva Tanguay, headlined big time stages for 25 years. Her slightly risqué comedy act inspired Mae West and others.

Although women were the highest-paid and most popular Vaudeville entertainers, many men also rose to fame. Martin Beck, the Orpheum Circuit founder, discovered magician Harry Houdini. Houdini earned the title "The Greatest Showman." However, it was Al Jolson, who critics and fellow entertainers considered the most influential male performer in Vaudeville. Although Jolson is now considered a controversial figure for his black-face appearances, black face acts were part of the culture in the early days of show business. Many Vaudevillians thought Al to be a central figure in show business's transition from Vaudeville to cinema after he starred in the first talking film. "The Jazz Singer" in 1927.

Thousands of entertainers graced the Vaudeville stages during its forty-year heyday. Sadly, Vaudeville ended during the depression, as talking films became more popular than live performances. Because theater owners were in show business, they made decisions to transform their stage houses into cinema houses. Many cite the evening of November 16, 1932, as the final curtain call for Vaudeville entertainers. The Palace Theatre announced the end of live shows and became a movie theater exclusively. But some fans maintain that Vaudeville lived on in film. Many live show stars like Milton Berle, Charlie Chaplin, Ethel Barrymore, and Ella Fitzgerald became film stars.

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